Travail à afficher pour les JPO

Je souhaiterai afficher une photo de mon volume éclairé pour les journées portes ouvertes.

Avec la lumière rouge je trouve le contraste plus fort et sur cette photo on comprend davantage le rôle de la lumière traversant le cube avec l'ombre projettée sur le mur, traduisant alors ce qui se passe à l'intérieur du volume.



Bilan de mon travail

Dans un premier temps, le travail de graphisme réalisé au début de l’année m’a permis de considérer différemment des formes noires et blanches et leurs emboîtements entre elles. J’ai appris à voir autant le blanc sur le noir que le noir sur le blanc, et surtout à travailler la dynamique des lignes dans un gabarit rectiligne. Je me suis par ailleurs questionnée sur le plein et le vide, la masse et la légèreté, le ralentissement ou l’accélération et seulement en utilisant du noir et du blanc sensés remplir un quadrillage.

Après avoir acquis une certaine maîtrise de ces deux dissensions  et aboutit à un visuel  significatif, j’ai pu basculer ce travail dans une troisième dimension afin de concrétiser mon premier aboutissement, et donc le schème que je lui ai donné. Mon visuel étant basé sur la destruction du carré, autrement dit la destruction de la base dont je suis parti (le quadrillage), j’ai souhaité appliquer cette idée au volume pour davantage la développer et l’enrichir. J’étais donc forcé de me questionner sur la masse et le vide, ainsi que sur la profondeur.

A l’aide de feuilles rhodoïde, j’ai représenté facilement la dispersion des formes et la notion d’équilibre et d’espace.  En ajoutant ensuite de la lumière à mon volume, je me suis rendue compte d’une évolution encore plus évidente et explicite de mon idée d’origine, puisque je pouvais faire jaillir l’intérieur du volume vers l’extérieur par une projection d’ombre due à la caractéristique transparente de l’intérieur de l’objet en 3 dimension.

Je me suis plus à travailler avec cette transparence et, mon projet personnel étant assujetti à celle-ci, j’aimerai par la suite continuer à travailler avec la transparence, qui est certes pleine de complexité mais pour cette raison, d’autant plus fascinante.

Philippe Garnier Delabaudinière

 Vitrail

Philippe Garnier Delabaudinière est un peintre qui s'affranchit de toutes influences, contraintes et idées théoriques. Sa peinture se place
hors des modes du moment, entre frontière du figuratif et de l'abstrait.
Il réussit à donner de sa peinture une compréhension immédiate, dans un rapport franc entre la forme et la couleur, créant une oeuvre plastique forte, fondée sur le dialogue des masses chromatiques, des lignes courbes et lignes droites en combinaison esthétique mais sans artifice. Il élabore un langage, son langage, abstrait ou non, universel (pouvant être compris de chacun) qui séduit, charme l'oeil en s'adressant à l'esprit.

Ses tableaux sont comme des champs poétiques et musicaux où formes et couleurs jouent sur un même registre.
Le peintre considère les couleurs pour elles-même, leur nature, leurs combinaisons, leurs effets.
Ses couleurs ne s'ajoutent pas à des formes préexistantes, elles sont la forme elle- même.
Il ne peint pas les effets de la couleur et de la lumière mais cherche plutôt le dialogue de la structure et de la forme. 

 Solaris

Composition 22

Carambolage III

Rouges

. Le travail de cet artiste est particulièrement intéressant pour son exercice de couleurs et de formes créées par l'effet de superpositions donnée par l'organisation dansle tableau.

Il travaille l' intéraction des couleurs et réfléchit le positionnement de ses bandes de couleurs pour créer parfois des formes étonnantes (notamment la forme ronde)

J'apprécie particulièrement son jeu de superposition qui donne une impression de transparence et de profondeur à ses compositions. 

 

Mise en couleur de mon visuel 2D

En partant de mon visuel en 2D en noir et blanc et d'une palette de couleur déjà utilisée en cours de couleur, j'ai crée de nouveaux visuels en y apportant de la couleur, soit partiellement soit entièrement.

J'ai d'abord commencé manuellement en colorisant mon visuel avec des craies sèches, ce qui donne d'ailleurs  une superposition lorsque celle ci est appliquée sur des parties noires. Je trouvais ça assez intéressant de pouvoir crée une sorte de couleur 'intermédiaire'. 

Voici quelques-unes de mes propositions :

Puis j'ai travaillé par ordinateur sur le logiciel Illustrator pour des résultats un peu plus poussés. Ci-dessous certains visuels que j'apprécient particulièrement :

Fritz Panzer

Une sculpture qui se contente des arrêtes de l'objet.

Fritz Panzer a pour habitudes de réaliser des oeuvres représentatives d'objets du quotidien en fil de fer et en représentant uniquement les arrêtes. Son travai fait référence aux dessins de contour et aux dessins gestuels, créant le volume d'un objet par son contour. On dirait une esquisse au crayon, effectuée à même le sol et  mur. C'et à la fois graphique, topographique, et photographique.

Mais pour le coup, son oeuvre ci dessus devient moins figurative et représente davantage un cube quadrillé avec des zones plus sombres que d'autres (le centre est bien plus occupé par le noir que les bords qui offre davantage d'espace vide. Plus on s'éloigne du centre plus l'espace inter-cubique s'aère et se détruit pour ne laisser finalement apparaitre que les arretes dessinant le cube. L'espace centrale ma fait penser à un trou noir. il joue donc sur l'effet de vide et de plein, de légèrt et de masse mais toujours en gardant un équilibre et une parfaite symétrie.

Anthony Gormley

Cotch VIII, 2012

3mm barre carrée en acier inoxydable

Embrayage VI, 2011

clavette acier 8mm 

Embrayage VII, 2011

Clavette acier 8mm carré

Les travaux de la série Framer font penser à des volumes architecturaux

déconstruction et abstraction des volumes, ceux ci sont construits à partir de structures spatiales de nidification et d'empilage qui sont basés sur des masses découvertes ans le volume total du corps. 

Il ajoute à ces volumes d'acier une patine noire.

Secours II, 2012

fonte

Il interroge notre expérience de l'architecture à travers le corps et du corps à travers l'architecture.

Leur langage sculptural est très réduit, dans certains cas, de manière schématique.

Rest, 2012

Carreaux de plâtre creux

. Le travail de cet artiste m'interpelle à cause des formes minimalistes (carré, rectangle ) qu'il utilise dans ces sculptures et sont utilisation du noir et du blanc, du plein et du vide, de la légèreté et de la masse.

Ces sculptures en noir ou blanc laisse donc apparaitre des gris et des impressions de 

profondeurs et de rythme généré par l'emboitement des formes les unes avec les autres. 

April Greiman

Poster pour 'Objects in space", 1999

Née à New York, April Greiman étudie le design graphique à l’Allgemeine Kunstgewerbeschule à Bâle, en Suisse, puis au Kansas City Art Institute, aux Etats-Unis. Elle s’installe en 1976 à Los Angeles où elle fonde son studio multidisciplinaire intitulé Made in Space. 

Cover Wet Magazine, 1979

" Does It Make Sense ? ", 1986

April Greiman a œuvré au sein des sociétés Esprit, XeroxCorp et Benetton. Son style particulier s'est toutefois démarqué dans un numéro révolutionnaire de la revue Design Quarterly qui personnalisait les arts graphiques.
Après avoir terminé ses études avec Wolfgang Weingart à la Basel School of Design, Greiman s'est d'abord établie à New York, puis à Los Angeles. C'est dans un contexte englobant la culture de Los Angeles et l'accès à la science et à la technologie de pointeque Greiman a développé sa nouvelle approche en matière de design et qu'elle a réalisé, en 1985, son projet visionnaire pour la revue Design Quarterly. La revue dépliée, de style accordéon, d'une seule page mesurait deux pieds par six pieds et comportait une image centrale représentant un portrait numérisé de grandeur nature du corps nu de Greiman. Ce numéro était le premier du genre à être créé et assemblé en un seul document sur MacDraw.
Pionnière du graphisme sur ordinateur, Greiman a poussé le design à la fine pointe de la technologie numérique. Étant considérée comme la reine de la couleur technique elle combine les supports visuels et électroniques. Selon le designer New-Yorkais, Massimo Vignelli, elle est la plus grande créatrice graphique expérimentale au monde

SVA, New York city

.  J'admire les fusions graphiques réalisées par cette artiste, la manière dont elle mixe et entremelle les images et couleurs, la manière dont elle les met en relation selon des critères esthétiques tout en respectant un usage très codifié.